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La Madone des palefreniers

Le tableau sur le sujet religieux «La Madone des palefreniers» également connue sous le nom de Madonna Palafrenieri, est l’une des œuvres les plus reconnaissables du Caravage. L’œuvre appartient à la période de maturité du peintre et a été créée en 1605-1606.

Référence historique

Le tableau a été conçu pour décorer la partie de l’autel de la chapelle de la confrérie Palafrenieri, située dans la Basilica di San Pietro. De plus, pendant une courte période, l’oeuvre du fut exposé au Vatican, dans l’église paroissiale de Santa Anna dei Palafrenieri. Cependant, bientôt les clients abandonnérent l’image, la raison, très probablement, était la différence entre l’image de la Vierge Marie et les chanoines traditionnels de l’église.

Plus tard, le cardinal Scipion Borghèse acheta la peinture du maître, et elle devint une partie de la collection d’art de la galerie Borghèse. L’œuvre du Caravage fait toujours partie de la célèbre collection de la famille princière, qui présente également cinq autres tableaux du peintre: «Garçon avec un panier de fruits», «David avec la tête de Goliath», «Le Jeune Bacchus malade», «Saint Jérôme écrivant», «Saint Jean-Baptiste dans le désert».

Il est conservés des documents témoignant du tableau « La Madone des palenfreniers ». En particulier, on sait avec certitude que le 8 avril 1606, le peintre reçut une rémunération pour son travail. Ce fait permet d’établir avec précision quand exactement le travail sur le tableau fut achevé.

Dans le même temps, on ne sait toujours pas pourquoi la congrégation de la Curie papale décida d’abandonner l’oeuvre du Caravage. Selon une version, les représentants du clergé considéraient que l’œuvre du peintre manquait de décence, ce qui ne lui permettait pas d’être exposée au public dans un lieu aussi sacré qu’un temple.

Analyse de l’oeuvre

La taille de la toile est de 292 X 211 cm. Le tableau fut commandé par la fraternité Palafrenieri. Le peintre était confronté à la tâche d’éclairer un sujet théologique très important, tandis que les images bibliques dans l’interprétation du Caravage paraissaient extrêmement humanisées. Ainsi, la figure de sainte Anna, traditionnellement personnification de la grâce divine, est représentée par le maître comme quelque peu indifférente et distante.

Pour créer l’image de la Vierge Marie, il posa le même modèle (courtisane) que dans le tableau Madonna di Loreto (ou Madone des pèlerins), que l’artiste créa pour orner la décoration intérieure de l’église de Sant’Agostino à Rome.

Sans aucun doute, l’image de la Vierge sous la forme d’une femme ordinaire était extrêmement atypique à cette époque et, peut-être, une telle interprétation, même aujourd’hui, fait une impression choquante sur certains spectateurs. La Vierge Marie, tenant le petit Christ, tente, avec son fils, de piétiner le serpent, symbolisant le mal et le péché originel. Sainte Anne, la mère de la Mère de Dieu, qui est traitée avec beaucoup de respect dans le monde chrétien, ressemble à une vieille femme ridée, observant avec indifférence ce qui se passe. Les têtes des héros sont couronnées de nimbes à peine perceptibles, dont la lumière divine tombe sur le serpent. Marie et le Christ sont représentés pieds nus, le Sauveur apparaît complètement nu, son prépuce n’est pas circoncis, ce qui est contraire à la tradition juive. Tout en arrière-plan est en fait plongé dans une ombre profonde, seulement les figures illuminées des héros contrastent fortement avec le fond sombre, ce qui les fait paraître massives.

Si la glorification de sainte Anne a été conçue comme l’idée principale de l’œuvre, il devient incompréhensible ce qu’exactement chez une femme disgracieuse, ridée et âgée, et c’est ainsi que le Caravage a interprété l’image de la mère de la Vierge, aurait dû être perçue comme des traits d’une image culte destinée à susciter la crainte dans le public. Giovanni Pietro Bellori, un célèbre critique d’art et biographe d’artistes italiens du 17ème siècle, a noté que le corset avait l’air encore plus choquant, resserrant et exposant de manière indécente la poitrine de la Vierge Marie. En examinant de plus près le décor de la figure du petit Christ, la position de ses jambes, il devient évident que lui, avec la Mère de Dieu, piétine le serpent, qui dans un sens métaphorique égalise le degré de leur puissance.

Les secrets du maître

Grâce aux récents travaux de restauration, des coupes peu profondes ont été trouvées sur la surface de la toile, ce qui est considéré comme un trait distinctif des peintures du Caravage, une sorte de technique que le peintre utilisait pour créer ses œuvres.

Il s’est également avéré qu’initialement le nimbe au-dessus de la tête de la Vierge Marie était au même niveau que le nimbe de sainte Anne, patronne et intercesseur de la confrérie Palafrenieri. Elle était traditionnellement représentée à côté de la Mère de Dieu, au moment où elle combattait un serpent, l’incarnation des forces du mal. De plus, à la suite du nettoyage de l’image, la luminosité de la palette de couleurs a considérablement augmenté. Par exemple, il est devenu clairement visible comment la peau du serpent reflète les rayons de lumière tombant dessus.

Borghese Gallery in Rome,

Auteur: Le Caravage

Caravaggio

ou Michelangelo Merisi, était un peintre italien considéré comme l'un des principaux influenceurs de la peinture moderne. Ses œuvres combinent une perception réaliste de l'état humain, à la fois physique et émotionnel, avec une utilisation dramatique de l'éclairage, qui a eu un impact sur le développement de la peinture baroque. Le Caravage a utilisé une observation physique rapprochée avec une utilisation dramatique du clair-obscur qui est devenu connu sous le nom de ténébrisme. Il a fait de la méthode un élément stylistique dominant, obscurcissant les ombres et transpercant les sujets dans des puits de lumière brillants.