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David avec la tête de Goliath

Le tableau « David avec la tête de Goliath » est de Michelangelo Merisi da Caravaggio. Le peintre a travaillé à sa création du début de 1605 à la fin de 1609-1610. L’oeuvre du maître a été inclus dans la collection d’art du cardinal Scipion Borghèse. Le tableau est entré dans la galerie du même nom de la famille princière en 1650.

Référence historique

Dans le livre de Giovanni Pietro Bellori «Vie des artistes, sculpteurs et architectes contemporains», publié en 1672, il est dit que l’œuvre «David avec la tête de Goliath» a été créée par ordre du cardinal Scipion Borghèse, tandis que le visage du géant philistin tué n’est rien de plus qu’un autoportrait du Caravage.

Des documents datant de 1613 ont survécu; ils confirment le paiement du cadre dont les dimensions correspondent exactement à la largeur et à la longueur de la toile. Dans les manuscrits de l’œuvre poétique de Scipion Francucci da Imola, datant de 1613, il y a aussi une description de l’oeuvre «David avec la tête de Goliath» du Caravage, qui, selon cette source, se trouvait déjà à la galerie Borghèse à cette époque.

Il n’y a pas si longtemps, certains critiques d’art ont proposé une version intéressante selon laquelle l’image du jeune héros montre également les traits de l’artiste, il est représenté exactement comme le Caravage était dans sa jeunesse. Cette hypothèse nous permet de considérer le tableau comme un double autoportrait.

Dans le même temps, un certain nombre de chercheurs affirment que pour créer l’image du jeune roi biblique, il a posé le même modèle de qui le tableau «Jean-Baptiste» a été peint. Le Caravage utilisa plusieurs fois l’histoire de l’Ancien Testament sur la victoire de David sur Goliath. Ainsi, une œuvre similaire a été créée par l’artiste en 1607, elle est conservée au musée d’histoire de l’art de Vienne. Un autre tableau similaire « David avec la tête de Goliath » date de 1600. Cette oeuvre du Caravage fait désormais partie de la collection d’art du Musée National du Prado à Madrid.

Analyse de l’oeuvre

Probablement, le maître s’est inspiré d’une œuvre d’un thème similaire, créée en 1510 par le peintre vénitien Giorgione.

Dans le même temps, l’image du Caravage diffère de la source originale par un grand drame, un tel effet a été obtenu du fait que la tête coupée de Goliath est représentée non allongée à distance, elle est dans la main sanglante de David. Sur l’épée du héros, les lettres H – AS OS sont visibles, qui sont une abréviation de l’expression latine «humilitas occidit superbiam», traduite en français, ces mots signifient «l’humilité tue l’orgueil».

David a l’air inquiet, il est tourmenté par des sentiments intérieurs, il ressent à la fois dégoût et pitié. Le peintre décide de dépeindre le héros sous la forme d’une jeunesse maussade, plutôt que d’un vainqueur triomphant. Cette interprétation donne lieu à une sorte de connexion philosophique entre David et Goliath. Ce fil unissant les deux forces opposées devient encore plus évident lorsque l’on se rend compte que la tête coupée du géant philistin est un autoportrait du peintre, et que la figure du roi biblique a peut-être été peinte de l’artiste Tommaso Salini (Mao Salini).

Selon une autre version, pour créer l’image de David, il a posé un élève du peintre, un certain jeune homme du nom de Francesco Boneri, surnommé Cecco di Caravaggio. Dès son plus jeune âge, il était artiste et etudiait la peinture dans son atelier. Certains chercheurs ont tendance à voir un aspect sexuel dans leur relation.

Le grand intérêt pour l’oeuvre n’est pas seulement causé par la corrélation de l’œuvre avec la biographie de l’artiste. L’œuvre, qui est complexe dans son contenu idéologique, est remplie d’une profonde signification allégorique. Les images de David et Goliath, du point de vue de l’iconographie chrétienne de cette époque, personnifiaient le Sauveur et le Diable, ainsi que la victoire du bien sur le mal.

Un autre exemple d’une œuvre liée au genre est la peinture « Judith à la tête d’Holopherne » d’un contemporain du Caravage, Cristofano Allori. L’une des nombreuses copies de l’œuvre de l’auteur orne les murs du Palazzo Pitti, à Florence. La tête coupée d’Holopherne est un autoportrait d’Allori. En même temps, un message légèrement différent est lu dans l’œuvre du Caravage: David dans l’interprétation du maître est dépourvu de cruauté, il vit profondément la mort de son ennemi Goliath.

Si l’œuvre a effectivement été présentée comme un cadeau au cardinal Borghèse, un représentant de l’autorité papale, qui avait le droit légal de pardonner au Caravage le meurtre qu’il a commis, alors le tourment intérieur du héros peut être considéré comme les expériences personnelles du peintre, son repentir et sa demande d’absolution d’un terrible péché.

Quand le tableau a été peint

Pendant longtemps, les disputes sur la date de création de l’œuvre du Caravage ne se calmaient pas. Si nous acceptons à l’hypothèse selon laquelle l’œuvre a été réalisée sur ordre du cardinal Scipione Borghèse, nous pouvons alors supposer que la peinture a été peinte avant 1606, lorsque le peintre vivait encore à Rome.
Cependant, la simplicité des formes dans une composition laconique qui caracterise des œuvres du Caravage, créées à l’époque où le maître s’installe à Naples, permet la version que l’œuvre «David avec la tête de Goliath» fait référence à la période de la fuite du peintre. Il existe de nombreuses hypothèses quant à la date du tableau. L’une des hypothèses les plus convaincantes relie son écriture au meurtre de Ranuccio Tomassoni, commis par le Caravage le 29 mai 1606. Le drame profond de l’œuvre confirme cette version.

Borghese Gallery in Rome,

Auteur: Le Caravage

Caravaggio

ou Michelangelo Merisi, était un peintre italien considéré comme l'un des principaux influenceurs de la peinture moderne. Ses œuvres combinent une perception réaliste de l'état humain, à la fois physique et émotionnel, avec une utilisation dramatique de l'éclairage, qui a eu un impact sur le développement de la peinture baroque. Le Caravage a utilisé une observation physique rapprochée avec une utilisation dramatique du clair-obscur qui est devenu connu sous le nom de ténébrisme. Il a fait de la méthode un élément stylistique dominant, obscurcissant les ombres et transpercant les sujets dans des puits de lumière brillants.